jueves, 29 de mayo de 2014

Baile y música de los años ´30 y estrellas del Burlesque nacional, serán la tónica del primer “Swing Fest” Chile

El próximo viernes 15 de noviembre en el centro “El Cerro” , la música y los bailes de los locos años ´30 estarán de vuelta gracias al “Swing Fest” Chile, un original encuentro musical que convoca a destacadas agrupaciones de intérpretes chilenos en torno a  la música de nuestros abuelos y bisabuelos. 

Baile y música  de los años ´30  y estrellas del Burlesque nacional, serán la tónica del primer “Swing Fest” Chile

Los años ’30 son considerados en el mundo entero como la época dorada del jazz y el “swing”. Desde el sur de los Estados Unidos -su lugar de origen y centro de la cultura afroamericana- se expande con gran rapidez a través de la industria del disco, la radio y el cine. Los nombres de Benny Goodman, los hermanos Dorsey, Duke Ellington, Fletcher Henderson o Count Basie, junto a las bandas en formato de “Big Band”, se popularizan más allá de Norteamérica, llegando a Europa y al resto del continente americano donde  cada variante se desarrolla en interesantes fusiones y propuestas.


En Europa, uno de los casos más destacados ocurre en Paris, de la mano de Hugue Panassié, crítico musical que fundara el Hot Club de Francia (1932), la revista “Jazz Hot” (1935) y el sello discográfico “Swing” (1937), consolidando un importante movimiento musical que incluía a dos trascendentes instrumentistas: el violinista Stephane Grapelli, y el guitarrista belga Django Reinhardt, ícono del “jazz manouche” o “jazz gitano”, que tanto interés e inspiración ha generado en otros cultores del género alrededor del mundo, entre ellos dos músicos chilenos: ”Panchito Cabrera” (considerado el Reinhardt chileno) y “Roberto Parra” (cantor y poeta popular, hermano de Violeta Parra). Ambos son los iniciadores de un particular estilo de tocar el foxtrot, caracterizado por la improvisación a dos guitarras, en la cual la guitarra solista tiende a adelantarse o retrasarse en el tiempo evitando el pulso. Roberto Parra lo bautizó como “jazz guachaca”.

A Chile, el jazz llega a inicios de los años ´20, pasando a ser uno de los géneros más populares y favoritos al momento de bailar. Al oír un “swing”, el público comenzaba a moverse con un balanceo rítmico que, por lo general, terminaba en el baile, sea este de charlestón, one-step, shimmy o foxtrot. Las orquestas tipo Big Band eran el formato ideal, siendo la Royal Orchestra (1924), con Pablo Garrido como su director y creador, la primera de este tipo en Chile. Otras figuras destacables de aquella época son el trompetistas Luis Aranguiz, el saxofonista Mario Esobar y el baterista Víctor “Tuco” Tapia.

Bandas participantes del “Swing Fest Chile”

 “Swing Fest” contará con su propia banda de “old music style”, la Bix Band, que desde 1998 practica las formas clásicas del jazz (charleston, foxtrot, dixieland, swing) en arreglos sincopados con variaciones rítmicas y melódicas que también incluye las formas de la rumba y el mambo, en una creativa fusión de sonidos y colores armónicos.

En un formato más moderno y actual estarán los chicos de La Swing Ritmo, su orquesta incluye guitarra, voz, coro, contrabajo, teclado, melódica, armónica, batería y dos trompeta, donde las sonoridades del blues también tienen su espacio.

Un propuesta más rupturista es la de Arisko Gatos Swing Banda con temas que  mezclan la música callejera y de salón, acompañada de potentes letras de contenido social.

En el “Swing Fest”, también estará presente el “jazz guachaca” de Roberto Parra, a través de la participación  de la banda De Perilla,  integrada por visionarios músicos interesados en desarrollar y profundizar esta forma tan peculiar de tocar, donde la tradición de la poesía popular chilena escrita en décimas, se fusiona al ritmo y las armonías de aires al“jazz manouche”, pero que es netamente chileno, tanto en el contenido de sus letras (de tono picaresco) como en la forma de interpretarlo (al estilo del “roto chileno”).

Música y baile. Workshop de Lindy Hop, clasic jazz y charleston

Como una forma de revivir el pasado bailable entre los chilenos, los organizadores del “Swing Fest” han organizado un workshop de Lindy Hop, clasic jazz y charleston a cargo de los expertos José Zarazaga y Luciana Salinas, bailarines profesionales venidos de Buenos Aires, Argentina. Las clases se realizarán el miércoles 13 y el jueves 14 en el Centro Cultural Juan Verdaguer ubicado en calle Purísima 260, barrio Bellavista de 19 hrs a 22 hrs.

Además, en la noche del Festival, el viernes 15 de noviembre, se contará con la participación de grandes estrellas de las plumas Bonnie Troubles , Aby Bad Girl , Melanie Rosel, destacadas exponentes del Burlesque Nacional.

Entradas a la venta
Centro El Cerro: Bombero Nuñez 231- Bellavista
Amor Real Custome Tatto: Arturo Burhle 057 - metro Baquedano
Hot Rod Tatuajes -Portal Lyon local 41 metro Los Leones 

PRE VENTA A $ 3.000
DIA DEL EVENTO A $ 4.000
LUGAR DEL EVENTO: Centro EL CERRO – Bombero Núñez 231 – Bellavista.
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miércoles, 28 de mayo de 2014

Con alta convocatoria de público culminó la 3era versión del “Festival Jazz a la Vega”, junto a grandes figuras del jazz nacional actual.

Por tercer año consecutivo este festival llenó de música el tradicional barrio de Santiago

Fotorreportaje: el viaje sin retorno del jazz a la “Vega”


El pasado viernes 8 y sábado 9 de noviembre los colores, aromas y sabores del Mercado de la Vega Central se mezclaron con las sonoridades y ritmos de la música popular para ser sede de un importante encuentro musical que cada año gana más adeptos entre el público santiaguino y que presenta a los más destacados jazzistas de la escena nacional. 


Dos tardes consecutivas de música al aire libre junto a grandes figuras del jazz nacional, dieron forma a la 3era versión del “Festival Jazz a la Vega”, instancia que, al igual que los años anteriores, cuenta con la organización del Colectivo Mapocho (defensores del patrimonio nacional) en conjunto con la comunidad de La Vega Central, representada en sus tres secciones: sector antiguo, sector remodelado y el patio de remate. A ellos se une el auspicio de los locatarios, como es el caso de “Doña Josefina” (fábrica de masas), “Somos Todo envase”, “­Carnes Provecar” y productos alimenticios “Los González”.

La jornada abrió con el discurso inaugural del presidente del sector antiguo de la Vega, Roberto Núñez, agradeciendo a los asistentes y colaboradores y comunicándonos una breve historia del aquel lugar patrimonial. Siguió la introducción histórico-musical de Andrés Pérez, saxofonista y gestor cultural, miembro del Colectivo Mapocho, quien enfatizara los orígenes populares del Jazz y su conexión con la música negra y los sectores marginados de la sociedad norteamericana.


La musicalidad de Karen Rodenas inició el concierto junto a su banda de talentosos músicos:  el bajista Sebastián Gómez -miembro de Gypsy Trío-, el baterista Andy Baeza –de Ángel Parra Trío-, el guitarrista Sebastián Prado y el saxofonista Cristián Gallardo. Juntos, interpretaron standards de la era del swing y el bebop, dando mucha libertad a la improvisación vocal, donde Karen se luce en su dominio del scat.
El saxofonista Cristian Gallardo, por su parte, aprovechó la instancia para el lanzamiento inédito de su tercer disco “Cuok Cuok”, junto a Gonzalo Gómez en el bajo y Hugo Manuschevich en batería. Los temas presentados tenían diversas influencias: aires a Coltrane, Sidney Bechet, Pee Wee Russell y también ciertas sonoridades provenientes de la música dodecafónica de Arnold Schoenberg y rockeros como Jeff Buckley.
El día viernes finalizó con el gran bajista Christián Gálvez y su proyecto The Organ Cuartet, conformado por Agustín Moya en saxofón, Óscar Pizarro, pianista, tecladista y organista, el versátil baterista Ronald Báez e Iván Pérez en clarinete bajo. La banda tocó temas propios de Galvez, además de arreglos interesantes de algunos standars clásicos.

El día sábado se presentó SAGARE Trío, banda instrumental integrada por los talentosos músicos Juan Antonio Sánchez, Emilio García y Antonio Restucci, quien lamentablemente no pudo estar presente debido a una grave lesión en su muñeca izquierda. Aún así, la banda destacó por su virtuosismo musical caracterizada por la fusión entre música popular latinoamericana con el jazz y el folclor de diversos lugares del mundo. Hay también influencias del jazz manouche, que se aprecian sobre todo en la viveza y la soltura de las improvisaciones.

Un formato más clásico,  fue el presentado por la banda Interestelar Trío, liderada por el trompetista Sebastián Jordán y con Roberto Dañobeitía en la guitarra y Eduardo Peña al bajo. Interpretaron versiones de la música de Thelonious Monk, Cole Porter y Bud Powell.
Y para finalizar el Festival, un cierre magistral a cargo de la improvisación libre de Martin Joseph junto a los nueve instrumentistas que componen  The Pacific Ensamble, su proyecto más acabado y que, entre otras cosas, desarrolla el concepto de los “vientos parlantes”: una audaz improvización de cuatro vientistas (trompeta, saxo tenor, saxo y trombón) que van tejiendo una conversación musical única e inesperada.   
Sin duda una gran jornada musical que vino a romper la cotidianeidad del espacio citadino, ofreciendo música, colores, sonidos, ritmos y sensaciones. Dos noches musicales que finalizaron con un grato aroma a frutillas recién llegadas a la capital para ser ofrecidas al día siguiente en ese especial lugar donde lo mejor del jazz nacional cobró vida.
Con todo, cabe esperar que para las próximas jornadas del Jazz a la Vega, se pueda realizar una mirada aún más profunda al jazz acunado en los sectores aledaños a la Estación Mapocho y que hace unos años era tocado en la misma Vega y el Mercado Central por cantores populares como Roberto Parra y su mujer Catalina Rojas (aún viva) o Lalo Parra. Sería interesante observar la reacción de los locatarios frente al llamado “jazz guachaca” tan cercano a ellos y a todos nosotros en lenguaje musical y poesía popular escrita en décimas. Sin lugar a dudas sería un muy interesante experimento y desafío.
CARO CHACANA


Dos creativos montajes del Colectivo teatral OBRAS PÚBLICAS (COPS) reviven la historia del sindicalismo chileno y de las brigadas muralistas

El Teatro de la Universidad Católica se llenará de música y cultura popular gracias a dos creativos montajes que reviven la historia del sindicalismo chileno y de las brigadas muralistas: “Clotario” y “Brigadas” en manos del talentoso Colectivo teatral OBRAS PÚBLICAS (COPS).

Tras exitosas temporadas y participaciones especiales en diversos festivales nacionales e internacionales, vuelven a la cartelera santiaguina las obras “Clotario” y “Brigadas” del Colectivo Obras Públicas (COPS). Dos excepcionales montajes originales que unen magistralmente la investigación histórica profunda y el ingenio creativo de un grupo de talentosos y experimentados jóvenes provenientes de las artes escénicas y musicales.


MEMORIAS DE IDENTIDAD Y CIUDADANÍA.

A 4 años de su formación, el COPS ha pavimentado un camino de creación escénica caracterizado por un lenguaje teatral sumamente creativo y lúdico enraizado en la cultura popular chilena y los versos cantados de la tradición oral, donde cuartetas y décima van construyendo un relato rítmico y musical que mantiene atentos y cautivos a los espectadores de comienzo a fin. 

Tanto “Clotario” como “Brigadas” han sido pensados como montajes para los espacios públicos como una forma de re-significar los lugares sociales, abrirlos a la reflexión y plantearlos como soporte fundamental para la historia social y la cultura popular de nuestro país, “una forma de traer al presente y poner en valor ciertos hechos y personajes que forman parte de nuestra historia reciente”, comenta el colectivo.

Las funciones a realizarse el martes 5 y el 12 de noviembre, serán el marco perfecto para cerrar un año importante para el desarrollo Colectivo. Con el dinero recaudado, COPS podrá financiar su próximo montaje: “Constitución” (estreno 2014).



“Clotario” (Claudia Echenique y Sofía Zagal) Martes 5 de noviembre. Única función.

La orquesta del sindicato se ha reunido para dar cuenta de un preocupante escenario: la falta de organización. Si sus integrantes no se movilizan, el sindicato podría desaparecer. Para transformar este panorama pesimista en memoria y acción, deciden contar la historia de quien es motivo de inspiración para el sindicato: Clotario Blest. 

Esta obra de teatro callejero nos relata hitos relevantes de la vida del líder sindical como una forma de enaltecer su lucha y consecuencia. Entre cantos, ritmo incesante y una atractiva visualidad, el público será testigo de la importancia que Blest tuvo en momentos fundamentales de la historia de nuestro país.


“Brigadas” (Claudia Echenique, Sofía Zagal y Esteban Cerda) Martes 12 de noviembre. Única función.
“Brigadas” es un repaso por los métodos de producción y las contingencias vividas por las brigadas muralistas desde la década del 60’ hasta la dictadura militar. Inti Peredo, Elmo Catalán, Hernán Mery, Rolando Matus y por supuesto Ramona Parra fueron las brigadas que dieron forma y contenido a este montaje de teatro callejero que recorre la historia del arte urbano mural, en conjunción con sus equivalentes en teatro y música. El trabajo, dirigido por Claudia Echenique y financiado por la Vicerrectoría de Investigación UC y la Escuela de Teatro de la misma casa de estudios, se entronca dentro de un esfuerzo por volver la mirada sobre ciertas manifestaciones específicas de la cultura popular y el arte político que plantearon nuevas formas de entender la relación entre el trabajo artístico, la organización política y social y la utilización del espacio público.

www.elmostrador.cl/.../obras-de-teatro-musicales-reviven-la-historia-del- sindicalismo-chileno-y-de-las-brigadas-muralistas/

COLECTIVO OBRAS PÚBLICAS

Dirección: Claudia Echenique 

Producción y Comunicaciones: Gabriel Contreras 
Elenco: Esteban Cerda, Gabriel Contreras, Javier Mora, Sofía Zagal y Ximena Sánchez 
Interpretación Musical: José Tomás Celis, Benjamín del Río y Jorge Pacheco 
Composición Musical: José Tomás Celis, Benjamín del Río, Jorge Pacheco y Sofía Zagal


COORDENADAS

“CLOTARIO”
Martes 5 de noviembre
20.30 hrs.
Teatro Universidad Católica 
Jorge Washington 26, Ñuñoa.
Entrada General: 3.000.-
Estudiantes y Tercera Edad: 2.000.-

“BRIGADAS”
Martes 12 de noviembre
20.30 hrs.
Teatro Universidad Católica 
Jorge Washington 26, Ñuñoa.
Entrada General: 3.000.-
Estudiantes y Tercera Edad: 2.000.-

Carlos “Negro” Aguirre, regresa a Chile con nuevo proyecto editorial, además de “La Música del agua” en concierto íntimo en el Gam.

El reconocido pianista y compositor argentino, director del sello independiente Shagrada Medra, vuelve a Chile para un concierto íntimo y el lanzamiento de su primer libro de partituras: Canciones 1, de su nuevo proyecto editorial Sirirí.

Carlos “Negro” Aguirre, regresa a Chile con nuevo proyecto editorial, además de “La Música del agua” en  concierto íntimo en el Gam.

El concierto a realizarse el 24 de noviembre en el GAM, se titula “La música del Agua”, en homenaje a los grandes cultores de la música litoraleña como Aníbal Sampayo Alfredo Zitarroza, Chacho Muller, Albérico Mansilla, Edgar Romero Maciel y Linares Cardozo.  El encuentro viene a ser el cierre magistral del ciclo “En este lado del sur”, organizado por Hemiola Trasandina en el GAM y que tuvo entre sus artistas a la cantora y filósofa argentina Liliana Herrero, al premio “mejor músico de jazz europeo 2013” Jorge Pardo, y al virtuosismo del dúo de Luna Monti y Juan Quintero.



Además de su talento y su genialidad musical, Carlos “Negro” Aguirre sorprende por su sencillez y humildad. Pocos artistas como él han logrado captar la música de su tierra  a partir de un amor inmenso por Paraná (su ciudad), por la gente de Entre Ríos (su provincia) y por el río.  Desde ese lugar  simbólico y significativo, en momentos de silencio y contemplación, el “Negro” construye su original universo sonoro caracterizado por la riqueza sincrética de los ritmos latinoamericanos, pero sin dejar su condición de ciudadano del mundo, pues se ha nutrido de músicas y músicos de todo el globo, y de los grandes discursos del jazz o de la tradición clásica europea y latinoamericana; también del folclore y sus cultores. Músicas provenientes de las más diversas regiones y rincones, para proyectar lo que le interesa, esto es, las expresiones vivas de la cultura y la música popular del sur del mundo.


El sello discográfico SHAGRADA MEDRA y su nueva propuesta editorial, SIRIRÍ

En esta visita a Chile, el “Negro” Aguirre, además de interpretar su música en un concierto íntimo, viene a consolidar los lazos con el público chileno a través de la presentación de “Canciones I”,  el primer libro de partituras de la nueva Editorial Sirirí, que tiene como fin acercar su música a todos los interesados en interpretar su obra.
Canciones I comprende las composiciones registradas en el disco “Crema” de Carlos Aguirre Grupo: Los tres deseos de siempre, Zamba de mancha y papel, Beatriz Durante, Pasarero, Coplas de cielo y río, La tarka, Memoria de pueblo y Huella mora.

Motivan este emprendimiento, las restrictivas condiciones del mercado editorial hacia creaciones de esta naturaleza y la necesidad de salvaguardar la calidad de la obra escrita en función de su fidelidad con la gestada por el autor.

Esta iniciativa se une al proyecto discográfico independiente “Shagrada Medra”, que Aguirre creara en los años ´90  junto a los músicos Luis Barbiero y Ramiro Gallo, ante la necesidad de editar músicas, que por su poca masividad, no entraban al catálogo de los grandes sellos discográficos. Surge entonces un catálogo musical de estéticas compartidas, cuidado artesanal del sonido y de respeto a los tiempos creativos y a los lenguajes artísticos, sin concesiones, ideas que se materializan en un disco, pero visto éste como una obra mayor, un proceso introspectivo, donde el arte gráfico juega además un papel fundamental para comunicar el pensamiento musical.

El sello SHAGRADA MEDRA ha logrado sostenerse y crecer en el tiempo dando a luz 43 ediciones discográficas, hasta el año 2013 series de guitarristas y pianis­tas, cantautores como Jorge Fandermole, Coqui Ortiz, Aníbal Sampayo (su último disco antes de fallecer), además de un trabajo sobre textos del escritor Jorge Luis Borges creado por el guitarrista y compositor Walter Heinze junto a Luis Barbiero y Pablo Ascúa, titulado Borgianas, o una creación sobre versos del poeta entrerriano Juan L. Ortiz, musicalizadas por Sebastián Macchi, llamado Luz de agua, entre muchos otros.  El catálogo ha crecido en muchos sentidos y direcciones, incluso llegando a editar trabajos de música académica como es el caso del gran guitarrista Eduardo Isaac y algunos trabajos del jazz como lo son los discos de la big band Santa Fe Jazz Ensamble. Otras ediciones tienen al tango como protagonista, a las voces femeninas del grupo Tamvos, dedicadas a difundir el maravilloso repertorio latinoamericano. El sello, además cuenta con muchas otras variantes y proyectos de grabación y edición tanto en Argentina como en Chile, entre los que se encuen­tran dos trabajos previos de Francesca Ancarola: Lonquén, Tributo a Víctor Jara,  con maravillosas colaboraciones y arreglos de connotados músicos chilenos como Antonio Restucci y Federico Danemann, y un sensible álbum de música para niños con la interpretación de Carlos Aguirre en el piano, titulado Arrullos, en referencia al tema del mismo nombre del músico y poeta chileno Hugo Moraga.  El disco Templanza, viene a completar la trilogía musical de Ancarola, y a la vez, inaugura el comienzo de una alianza provechosa y fraterna a través de HEMIOLA TRASANDINA, plataforma cultural a cargo de la distribución de los discos de SHAGRADA MEDRA y a la difusión de la música latinoamericana de este lado del sur.


DOMINGO 24 de NOVIEMBRE 19:30 hrs.

GAM - Avenida Libertador Bernardo O’Higgins 227 Región Metropolitana SANTIAGO
Entradas en venta Boleterías GAM o en http://www.gam.cl
Pre-venta $10.000
Entrada $14.000


Mas Información

Web: https://www.hemiolatrasandina.cl
Mail: 
hemiolatrasandina@gmail.com

La Plaza de Armas se llenó de belleza, música y emoción a través de un abrazo de tango en “Tanguería”

La Plaza de Armas se llenó de belleza, música y emoción a través de un abrazo de tango en “Tanguería”
Abrazos, música y emoción colmaron la Plaza de Armas la noche del miércoles 23 de octubre gracias a un emotivo espectáculo que reunió a miles de personas frente a la Catedral de Santiago, en un homenaje al tango como nunca antes visto. 
Personas de las más diversas edades y estilos llegaron al centro de la capital para presenciar “Tanguería”, montaje especialmente creado para Chile que contó con la participación de más de 70 artistas, tanto chilenos como argentinos, para ofrecernos una noche distinta abrigados al calor del baile y la pasión de las voces de Raúl Lavie y Julia Zenko, y de los instrumentos de la orquesta típica del Cuarteto Tanguero, y de una banda “no tan típica”, Escalandrum, que fusiona timbres del jazz contemporánea en clave de tango e incluye a la batería en la interpretación de  Daniel “Pipi” Piazzolla, nieto del gran compositor y bandoneonista Astor Piazzolla. A ellos se sumó la participación de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Santiago que vino a embellecer aún más la propuesta musical y artística de los argentinos Juan Carlos Cuacci y Gustavo Mozzi.
Abrazos de tango en la Plaza
Casi no había espacio entre las butacas y las graderías dispuestas para el público, pero poco a poco fue apareciendo la música, la gente se dirigió al centro para dejar de ser espectador y convertirse en partícipe de ese momento único a través de un abrazo de tango: Las dos pistas de baile se volvieron estrechas y, entonces, la Plaza se transformó en un gran salón donde parejas de distintas generaciones iban tomando su espacio para el movimiento, mientras los más tímidos abrazaban a sus acompañantes y miraban expectantes lo que acontecía en el escenario principal y también en esos pequeños espacios tejidos a su alrededor. Banderines de colores y farolitos de tenue luz, delimitando las pistas de baile,  trasladaban a un tiempo extra-cotidiano que vino a romper la monotonía del espacio citadino. El día que me quierasNocturnaBalada para un locoLa Cumparsita, entre otros clásicos del tango fueron el marco ideal para una jornada inolvidable que abrió una sensibilidad a veces olvidada en el corazón de los santiaguinos y que demostró la urgencia y la necesidad de la belleza, la música y el baile en el espacio público. 
Caro Chacana

http://www.elmostrador.cl/2013/25/10/fotoreportaje-la-pasion-del-tango-revoluciono-la-plaza-de-armas/

lunes, 14 de abril de 2014

Luna Monti y Juan Quintero componen el dúo más original y virtuoso del folclor argentino

El dúo se presenta este sábado 12 de octubre a las 20:30 en el GAM

Luna Monti y Juan Quintero componen el dúo más original y virtuoso del folclor argentino

Los músicos conforman uno de los dúos más admirados del nuevo folclor argentino. En su primera visita a Chile, ya han agotado las entradas de su único concierto en Santiago.Su repertorio incluye composiciones propias y arreglos de algunos temas clásicos del canto tradicional argentino y latinoamericano, que han difundido por variados rincones de Argentina, Latinoamérica y Europa

-Por Caro Chacana-
Luna y Juan se conocieron gracias a Raúl Carnota, destacado cantautor argentino de música de raíz folclórica, quien fuera el mentor de ambos en sus inicios musicales. Fue unencuentro casual, pero decisivo. Desde entonces continúan juntos tanto en la música como en lo personal. Su repertorio incluye composiciones propias y arreglos de algunos temas clásicos del canto tradicional argentino y latinoamericano, que han difundido por variados rincones de Argentina, Latinoamérica y Europa. La técnica y calidad vocal de Luna, y la fluidez y el virtuosismo en la guitarra de Juan, no opacan en lo absoluto la belleza de sus voces y lo profundo de sus interpretaciones.
Luna, Violeta y Juan
Luna, Violeta y Juan
El dúo nace oficialmente en junio del 2001 con el disco “Folclor”, que reunía principalmente arreglos y composiciones de Juan. Años más tarde, editan “El matecito de las siete” (2003) y “Lila” (2006), con las valiosas colaboraciones de Jorge Fandermole, Juan Falú, Carlos Aguirre, Coqui Ortiz, Aca Seca Trío, entre otros. Ese mismo año los diarios Clarín y Nación les otorgan el premio “Revelación del folclore”, y en el 2007  son nominados en el mismo rubro para los premios Gardel. En el 2009 participan en el disco de Mercedes Sosa “Cantora”,ganador del Grammy Latino, y el 2011 editan “10 años – en vivo en Café Vinilo”, un maravilloso DVD + CD que resume su carrera musical. Actualmente se encuentran presentando  su 5to disco, titulado “Después de Usted”, llenando prácticamente todas las salas, debiendo realizar conciertos dobles en prácticamente todos los lugares. Chile no ha de ser la excepción.
Conversamos con Juan Quintero a pocos días de presentarse por primera vez en Chile.
¿Cómo nace ese interés por hacer este tipo de folclor?
Es una cuestión natural y espontánea. Las músicas folclóricas de toda Latinoamérica son riquísimas y es muy hermoso poder vivirlas así como las aprendimos. Este diálogo entre la tradición y lo actual se da también naturalmente por el simple hecho de que somos personas diferentes, con otro entorno, otra visión, sería una caricatura si reprodujéramos las canciones de antes tal como lo hacían nuestros antecesores. Pienso que lo importante es captar lo que uno cree que es la esencia de ese arte e interpretarlo honestamente, cariñosamente.
¿Se gestó desde un principio este complemento entre tu aporte musical y la voz de Luna? ¿Cómo fue ese aprendizaje?
El aprendizaje en ambos casos se fue dando de las dos maneras. Ambos fuimos experimentando como podíamos y con la gente que nos rodeaba las distintas maneras de expresarnos a través de la música, pero también reconocemos que nuestro paso por la academia influyó de alguna manera. Igual siento que, cuando se trata de buscar un lenguaje propio, uno siempre es un poco autodidacta, pero por supuesto siempre es bueno prestarles atención a algunas personas que hicieron un camino propio, es por eso que nosotros reconocemos como referentes a Raul Carnota y a Juan Falú en nuestra formación.
Ustedes se caracterizan por tener mucha chispa en el escenario… al rato pareciera que jugaran.
Pienso que es necesario tener siempre presente esa cuestión del juego, y buscar que ese no sea un territorio exclusivo de los niños. No podría decirte cómo se da, ni sé siquiera si es un proceso. Creo que lo mejor es disfrutarlo libremente y dejar que el juego mande.

http://www.elmostrador.cl/cultura/2013/10/10/el-folclor-argentino-mas-original-y-virtuoso-arriba-a-santiago/

Rupturismo y renovación creativa marcan la gran noche musical de VANG!

El segundo festival de vanguardia congregó a Fulano y Arrigo Barnabé y su banda, dos pilares del jazz-rock fusión y la música experimental latinoamericana.

Rupturismo y renovación creativa marcan la gran noche musical de VANG!
Fulano abrió la jornada con composiciones cercanas al jazz, aunque con guiños a otros géneros que escapan a una categoría fácilmente definida y etiquetable. Luego fue el turno de Arrigo Barnabé y su banda, interprentando “Clara Crocodilo”, referente musical de la vanguardia brasileña que marcó la generación de músicos postdictadura y cultor de la llamada estética del choque. 

-Por Caro Chacana-
FulanoFoto: Javier Liaño
Fulano
Foto: Javier Liaño
Calidad musical fue lo que se desplegó en la noche del sábado 19 de octubre en el Teatro Municipal de San Joaquín, en la gran noche musical de VANG!, Segundo Festival de Vanguardia, junto a dos bandas pilares del jazz-rock fusión y la música experimental latinoamericana: Fulano y la presentación instrumental del brasileño Arrigo Barnabé, tocando “Clara Crocodilo”.
El concierto reunió a un público heterogéneo que disfrutó durante cerca de cuatro horas un espectáculo completo: músicas y letras con contenido crítico, sonoridades vanguardistas que atravesaban géneros y estilos, y sorprendían a la audiencia con sugerentes performances, vestuarios y diálogos rupturistas.

 LA RENOVACIÓN DE FULANO

Fulano abrió la jornada con la energía de su nueva formación: a los ya consagrados compositores Jorge Campos (bajo) y Cristián Crisosto (saxos, flauta), Felipe Muñoz (piano y teclados), Cristobal Shonffeldt (batería) y el retornado Rafael Chaparro (saxos), se une la voz de Francisca (Paquita) Rivera y la musicalidad de Cristóbal Dahm en saxos barítono, tenor y clarinete.
La banda nacional de música fusión, formada en 1984 y cuyo sello es el profundo contenido satírico de sus temas, hizo un recuento de algunos canciones clásicas de sus inicios: “El calcetín perseguido”, “1989”,  “Maquinarias”, “Fulano” y “Suite Recoleta” de su primer disco Fulano (1987), con composiciones cercanas al jazz, aunque con guiños a otros géneros que escapan a una categoría fácilmente definida y etiquetable. Le siguieron “Sentimental blues” y  “Adolfo, Benito; Augusto, Toribio” del álbum En el Búnker (1989), obra destacable  por su crítica que, en su momento, evidenciaba el rechazo a la dictadura bajo un estilo particular y auténtico, muy distinto a la línea musical naíf del Canto Nuevo o del rock de Los Prisioneros. “Lamentos” del disco El infierno de los payasos (1993) y “Canción formal” deTrabajos inútiles (1997) cerraron la lista de temas de aquel pasado glorioso, para dar la bienvenida a “Conservadores por el cambio”, “La tonada amarga” y “Fábula y fantasía”, tres composiciones originales que inician una nueva etapa creativa para la agrupación, cargada del talento musical e interpretativo de los nuevos instrumentistas y el oficio de los grandes fundadores de la banda, aunque sin perder, claro está, esa esencia  irreverente expresada en sonoridades sincréticas de las armonías, heterometrías, ritmos irregulares y los logrados cortes y disonancias.

 VERSIÓN INSTRUMENTAL DE “CLARA CROCODILO”

Foto: Javier Liaño
“Clara cocodrilo”  Foto: Javier Liaño
La segunda parte del concierto fue una sorpresa desde su inicio. La sola aparición de los instrumentistas sobre el escenario ya hablaba de una peculiar “puesta en escena”, alejada de los cánones musicales convencionales. Cuatro chicas en instrumentos y voces: una enfermera en el clarinete (Maria Beraldo), una saxofonista de ceñido traje de látex negro (Joana Queiroz), una chica de abundante cabellera y largo abrigo leopardo al estilo de Esperanza Spalding en el bajo (Ana Karina Sebastian) y en la batería, con medias de red y peinado alborotado, María Portugal. En guitarra, luciendo un peluquín de brillantes risos blancos, Mario Manga; Paulo Braga con gafas y boina en teclado eléctrico y, finalmente, Arrigo Barnabé, vistiendo un abrigo oscuro, en piano, voz y narración. Era el comienzo de la versión instrumental de “Clara Crocodilo” (1980), una obra maestra de la vanguardia brasileña y de profundo carácter rupturista, ideada en plena dictadura militar entre los años 1972 y 1980, cuya aparición demostró la existencia de un camino posible a seguir en el arte, en donde el rock y la canción popular se unían con la modernidad sonora del mundo atonal para remecer las conciencias y salir del estado de adormecimiento propiciado por una sociedad controlada por el miedo.
Músicas pensadas y repensadas, fusiones cargadas de información, pero muy lejanas del aburrimiento y la monotonía, componen esta grandilocuente obra musical de Arrigo Barnabé,compositor, tecladista y cantante brasileño, representante de una generación de músicos defensores de una estética del “choque” lejana al conformismo y a la complacencia del público. Muchos lo comparan con  Frank Zappa, pero él se resiste a ser comparado y encasillado en ningún género o corriente. En Barnabé conviven elementos y sonoridades que parecen incompatibles: muchísima imaginación, sensibilidad  en tonos pop, música de cámara y ritmos que invitan al movimiento del cuerpo y al disfrute sensorial.
La performance musical abrió con sugerentes melodías al piano y la intervención de los vientos, que a momentos eran interrumpidos por risas femeninas y los suspiros orgásmicos de las cuatro chicas en una estética caricaturesca cercana a los cómics de los años 70. La música hacía guiños al dodecafonismo musical de la vanguardia europea (Schönberg, Berg y Weber) en frases inconexas y sin sentido, sostenidas por un marco rítmico coherente que impedían su desarme. Este contundente material sonoro se iba alternando con notorios cambios de ritmos en el espectáculo, dando paso a sutiles fusiones de baladas, canciones populares ligeras y la tradición de la canción romántica con la correcta interpretación sufrida y desgarradora del cantante.

http://www.elmostrador.cl/cultura/2013/10/21/rupturismo-y-renovacion-creativa-marcan-la-gran-noche-musical-de-vang/